Violoncelle

Le violoncelle est un instrument à cordes frottées ou pincées de la famille du violon qui compte aussi l'alto.. Il se joue assis...



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Violoncelle - Instrument à cordes frottées - Instrument de musique classique - Instrument à cordes

Définitions :

  • Le violoncelle est une sorte de violon (il appartient par conséquent à la famille des cordes frottées), pour la forme, mais en plus gros. Le violoncelle se joue assis et est tenu entre les jambes. (source : plugsquare)

Le violoncelle est un instrument à cordes frottées (mises en vibration par l'action de l'archet) ou pincées (le pizzicato) de la famille du violon qui compte aussi l'alto. (la contrebasse, d'une forme différente qui rappelle celle d'une poire alors que la forme des autres instruments à cordes est le plus souvent comparée à une pomme, vient de la famille des violes). Il se joue assis et tenu entre les jambes ; il repose désormais sur une pique escamotable d'invention récente, mais fut longtemps joué posé entre les jambes, sur les mollets.

Ses quatre cordes sont accordées en quintes : do, sol, et la (du grave vers l'aigu), comme pour l'alto. Le violoncelle est cependant accordé une octave en dessous de ce dernier, soit une octave et demie en dessous du violon. Il fait partie des instruments ayant la tessiture la plus grande. Sa gamme de fréquences principales va approximativement de 65 Hz à 1000 Hz (voire 2000 Hz dans certaines œuvres virtuoses). On dit fréquemment que c'est l'instrument le plus proche de la voix humaine.

Violoncelle
Les partitions pour violoncelle utilisent généralement la clé de fa, mais également la clé d'ut en 4e ligne pour le registre moyen et la clé de sol dans l'aigu.
Écouter les cordes à vide (fichier midi) .

Historique

L'école de lutherie de Crémone.

Invention

Le violoncelle n'apparaît que peu d'années après le violon, à la fin du XVIe siècle. Son ancêtre direct supposé, le rebec, était un instrument plat à trois cordes. La basse de violon, le violoncelle originel tel qu'il nous est présenté en 1530, était un instrument énormément plus petit qu'il ne l'est actuellement, pourvu de trois cordes et accordé une quinte au-dessous du violon (contre une quinte et une octave actuellement). En 1550, une quatrième corde (grave) est ajoutée et l'accord revu. La taille du corps de l'instrument (hors manche) augmente jusqu'à 80 centimètres à peu près (la taille actuelle est d'environ 76 centimètres). Cette taille fut la limite : au-delà, la technique de main gauche, à une époque ou le démanché apparaît uniquement, devenait trop ardue.

Si on suit l'interprétation courante, la famille des violons (violon, alto et violoncelle) est fixée dans sa forme actuelle par le génial Andrea Amati (1535-1612), luthier de Crémone. C'est dans cette ville importante pour la musique occidentale que le violoncelle et toute sa famille prennent leur forme définitive, dans les ateliers de Niccolò Amati - descendant du précédent -, du célèbre Antonio Stradivari (Crémone 1644- 17 décembre 1737) - probable élève de Niccolò -, de l'original Bartolomeo Giuseppe Guarneri (1698-1744) - élève de Stradivari surnommé Guarnerius del Gésu. Cette école italienne fixe les formes et rayonne dans toute l'Europe, au travers du compagnonnage : Jacob Stainer (1621-1683), maître de la lutherie austro-hongroise, fut un probable camarade de Stradivari chez Amati. François Médard, élève de Stradivari, rentre chez lui, à Mirecourt, une fois ses études achevées.

La conquête

Madame Henriette de France

Cette naissance prestigieuse, néenmoins, n'assure pas une réputation immédiate au violoncelle. La concurrence qui l'oppose à la basse de viole de gambe est serrée. En effet, la viole de Gambe (elle aussi dérivant du «rebab», introduit en Espagne par les Maures vers le VIIIe siècle) connaît son heure de gloire en Italie depuis que le noble valencien Roderic de Borja (devenu Rodrigo Borgia en Italie), futur Alexandre VI, amena de nombreux violistes à Rome. Le violoncelle est fort discret au XVIIe siècle et le XVIIIe siècle est un siècle de cœxistence dans la littérature pour ensemble ou dans les œuvres solistiques.

Certains compositeurs, Purcell, Marin Marais ou François Couperin, ne s'habituent pas à l'instrument, et prennent bien garde de préciser dans leurs œuvres qu'elles sont conçues pour la «basse de viole» et non au violoncelle. Mais à la fin du XVIIIe siècle, la basse de viole est supplantée définitivement; en effet, les virtuoses du violoncelle parviennent à convaincre leurs contemporains de ses qualités de timbre et de virtuosité, et des œuvres majeures font sa renommée, surtout les six Suites pour Violoncelle seul de Jean-Sébastien Bach qui visitent en profondeur les capacités polyphoniques rares de l'instrument.

On met fréquemment cette lutte en parallèle de celle des classes : les viola da gamba, famille des violes, étaient reconnues comme des instruments plus nobles que ceux de la famille des viola da braccio, nos instruments à cordes modernes, plus vulgaires pour les contemporains du XVIe siècle siècle. Probablement faut-il compter les évolutions sociales du XVIIIe siècle au nombre des raisons du succès de cette deuxième famille. Au cours de la Révolution française et après, les violes, probablement jugées trop aristocratiques, furent transformées en violoncelles, violons et altos.

L'éclosion

Comme substitut à la viole de basse, le violoncelle est en premier lieu confiné aux rôles d'accompagnement. Jusqu'à la fin du XVIIIe siècle, instrument moins trapu qu'aujourd'hui, le violoncelle seconde le clavecin et complète la «basse continue» qui fonde les bases de l'harmonie dans les œuvres musicales baroques. Le son est plus confidentiel, plus feutré que celui des instruments modernes.

Pourtant l'instrument commença à s'imposer. Antonio Vivaldi (1678-1741) lui dédia 27 concertos et 11 sonates avec basse continue ; Luigi Boccherini (1734-1805), violoncelliste virtuose, le dota de concertos pour violoncelle.

En particulier, la technique évolue :

Les violoncellistes deviennent des virtuoses, et tiennent à le faire savoir. On connaît des œuvres, quelquefois majeures comme nous allons le voir, qui ont eu pour but de valoriser ces nouvelles possibilités techniques.

Le miracle romantique

La période romantique —le XIXe siècle— va être spécifiquement profitable au violoncelle. Johannes Brahms, Robert Schumann, Édouard Lalo, Camille Saint-Saëns, Antonín Dvořák, Jacques Offenbach (1819-1880) (qui jouait magnifiquement bien du violoncelle lorsqu'il ne composait pas d'opérettes), Ludwig van Beethoven, Felix Mendelssohn-Bartholdy écrivirent des pièces pour violoncelle et piano ou des concertos mémorables (voir ci-dessous : répertoire).

À cette époque, les dimensions de l'instrument ne changent plus. Son timbre devient éclatant, et sa puissance sonore, limitée quand il était instrument d'accompagnement, augmente, d'une part pour permettre aux compositeurs d'utiliser de plus grands orchestres ou des techniques d'orchestration plus ambitieuses, et d'autre part pour répondre aux nouvelles exigences des salles de concerts de plus en plus grandes.

La période romantique est aussi un passage important dans la technique du violoncelle. En effet, de nombreux compositeurs (violoncellistes eux-mêmes) écrivent traités et méthodes pour leurs élèves. Les musiciens ayant alors publié des études pour le violoncelle sont entre autres, Sébastien Lee, David Popper, Friedrich Dotzauer, Jean-Louis Duport et Bernhard Romberg.

Détail d'un violoncelle

L'instrument moderne

Au XXe siècle, l'instrument fait presque jeu égal avec le violon. Rares sont les compositeurs majeurs dont le catalogue des œuvres ne contienne pas de pièces pour violoncelle.

Aspects techniques

Position de jeu du violoncelle

Taille

Les instruments modernes ont une longueur de corps (hors manche) qui fluctue entre 74 cm pour les plus petits à 76.5cm pour les plus grands.

À titre de comparaison, voici les dimensions d'instruments célèbres :

Stradivarius
Duport Batta Piatti De Munck Servais
Longueur 76 75.7 75.5 75.6 75.9 74.6 79.15 73.85
Largeur (partie supérieure) 35.6 37.1 34 34.6 34.6 32.7 36.35 36
Largeur (partie inférieure) 45 45.7 43.6 44.1 43.8 41.9 46.7 44.7

Il existe plusieurs tailles, par ordre croissant : Seizième, Huitième, Quart, Demi, Trois-Quarts, Sept-Huitièmes, Entier (il existe des entiers plus ou moins grands)

La pique

Absente à l'époque baroque, et ajoutée au milieu du XIXe siècle siècle, la pique, pièce de métal supportant le violoncelle, est actuellement le plus souvent un mince piquet de 30 à 60 cm, terminé par une pointe métallique. Cette pique peut coulisser dans le violoncelle à des fins d'ajustement ou de rangement.

La pointe métallique qui la termine, le plus souvent plantée dans une "planche" pourvue d'encoches (bois, plexiglas, etc. ) ou dans une pièce d'un tissu résistant (moquettes, toiles, etc. ), est aussi quelquefois recouverte d'un embout de caoutchouc de forme sphérique ou conique. Cet embout rend la pique plus adhérente au sol, pour un jeu plus libre, et empêche la pointe d'abîmer la surface sur laquelle elle est posée.

La pique a été rendue indispensable par la complexification de la technique de main gauche. En effet, avec l'augmentation du nombre et de la magnitude des mouvements de l'instrumentiste, un instrument plus stable s'est vite avéré indispensable.

Cette pique, au fil du temps, remonte progressivement le violoncelle vers l'oblique. Paul Tortelier, au XXe siècle, invente une pique «barbare» qui comporte un angle presque droit et sert à remonter d'avantage l'instrument vers l'horizontale.

Technique de main gauche

La pédagogie moderne utilise le concept de "positions".

Sur une corde donnée, on nomme "première position" le fait de placer l'index de telle sorte que la note jouée sonne un ton plus haut que la corde à vide (sans doigt). Ainsi, l'index se place sur le "si" pour ce qui est de la corde de la.

D'une façon plus générale, la position "n" s'obtient en plaçant l'index n "intervalles" (selon la gamme de do majeur) plus haut que la corde à vide.

Ainsi, la quatrième position est-elle localisée une quinte au-dessus de la corde à vide. La main se trouve alors dans une position particulièrement confortable, le pouce logé dans l'angle que forme le manche lorsqu'il rencontre l'éclisse. Cette position est habituellement la seconde que le débutant aborde, puisque associée avec la première position, elle donne accès à l'ensemble des notes du manche (de Do2 à Sol4, soit deux octaves et demi) et permet l'exécution d'un répertoire simple (incluant les plus simples des danses des Suites de Bach).

Par la suite sont abordées les positions intermédiaires (deuxième et troisième, mais aussi la pratique des demi-positions intercalées) qui permettent la pratique de doigtés plus aisés et naturels, mais aussi la cinquième position (l'index une sixte au-dessus de la corde à vide, la seconde harmonique disponible sous l'auriculaire).

Enfin, les "positions du pouce", c'est-à-dire celles supérieures à la cinquième position et pour lesquelles le pouce est posé perpendiculairement aux cordes (toujours sur deux cordes). Plus tard, les positions du pouce sont étendues à la totalité du manche.

Extension

L'extension est le déplacement de plusieurs doigts (généralement un seul) de la main gauche sur la touche afin d'atteindre des notes plus aiguës ou plus graves d'un demi-ton ou d'un ton, ou alors plus.

Quand qu'on veut atteindre une note plus grave d'un demi ton (extension arrière), on déplace d'une façon plus générale l'index vers le haut plutôt que de déplacer la main entière. Lors d'une extension avant (pour atteindre une note plus aiguë sans déplacer toute la main), on décale en premier lieu le pouce, en dessous du manche. Le second doigt suit le mouvement et se déplace d'un demi ton : les troisième et quatrième doigts se trouvent alors automatiquement positionnés. Il arrive aussi qu'on fasse une double extension d'un ton pour aller chercher une note dans la position suivante sans avoir à démancher. On ne déplace la main entière (voir démanché) que quand l'extension s'avère trop compliquée, ou que la position s'avère plus aisée pour atteindre les notes.

Démanché

Le démanché consiste en un déplacement de la main gauche dans le sens du manche afin d'atteindre des notes plus aigües.

On peut distinguer plusieurs "positions" de la main gauche sur le manche, sous les noms de la première, deuxième, troisième, quatrième, cinquième, sixième et septième position, puis on passe au pouce.

On rencontre ce terme chez Rabelais (1550) ; le démanché semble par conséquent être contemporain de l'établissement des formes définitives de l'instrument (pour mémoire, Andrea Amati vécut entre 1535 et 1612).

Pouce

L'aspect le plus original de la technique du violoncelle est l'utilisation du pouce.

En temps normal, ce dernier est positionné sous le manche, entre l'index et le majeur (ou en opposition avec le majeur). Cependant, une fois la main gauche au-dessus de la table (au-delà du do5), cette possibilité disparaît et le pouce sort. Ce dernier, posé en travers des cordes (sur une corde, deux cordes, plus rarement trois cordes, et le plus fréquemment sur l'et ré) permet :

Le pouce permet ainsi au violoncelliste de jouer des octaves en doubles-cordes sur la totalité du violoncelle et dans le registre aigu de limiter les démanchés.

On cite le violoncelliste Francesco Alborea ("Franciscello", 1691-1739), qu'on retrouve en Italie et en Autriche, comme l'un des premiers promoteurs de cette technique. Actuellement, cette technique est particulièrement répandue, tant elle simplifie nombre de situations complexes.

Violoncelle piccolo à 5 cordes

Le violoncelle piccolo à 5 cordes

Ce violoncelle possède une corde supplémentaire (accordée en mi ou en ré aigu). Il était spécifiquement utilisé durant la période baroque, et était un peu plus petit qu'un violoncelle normal.

Ce type de violoncelle a été proposé par Jean-Sébastien Bach à l'époque où il écrivait ses cantates sacrées. Pour certaines d'entre elles il avait besoin d'un "violoncelle avec une corde aiguë supplémentaire en mi".

Il existait aussi la Viola pomposa, entre le violoncelle et l'alto, accordé en do sol ré la mi, pour lequel Bach a rédigé énormément de parties d'orchestre.

Sa sixième suite pour violoncelle a elle aussi été écrite pour un instrument à 5 cordes, quoique la majorité des interprètes la jouent sur un violoncelle à 4 cordes, ceci rendant la tâche d'interprétation énormément plus ardue.

Cet instrument remarquable est aujourd'hui utilisé, avec des cordes en boyau accordées au diapason 415, pour l'interprétation des cantates de Bach par le Noordhœk Baroque Ensemble.

Le violoncelle dans le monde

Le violoncelle est un instrument principalement consacré à la musique classique occidentale, cependant il a connu récemment des usages dans la musique traditionnelle d'Italie et d'Afrique du Nord surtout. Il fait en effet partie depuis 1930 de l'orchestre firqa en Égypte, depuis 1989 de la totalité âla du Maroc et de la totalité jawq de Tunisie. Ces formations jouent la musique arabo-andalouse sur cet instrument dont la touche lisse s'accommode de l'ensemble des intervalles.

Répertoire

Article détaillé : Liste des principales œuvres pour violoncelle.

Violoncelles célèbres

Les plus beaux instruments des grands luthiers sont appelés, non par le luthier, mais par l'Histoire et leurs prestigieux interprètes (en particulier ceux de Stradivarius). Tout autant au niveau des violons que des violoncelles, leur sonorité est riche et profonde.

Antonio Stradivari

Lutherie française

En ce qui concerne l'école française de lutherie, les noms les plus célèbres sont : LUPOT, VUILLAUME Sébastien-Auguste BERNARDEL PERE dont une basse ayant appartenu à Navarra. la basse n°189 de 1853 présentée à l'exposition universelle de Paris en 1855 aujourd'hui la propriété de Jean-Eric Thirault violoncelle solo de l'opéra de Marseille. MIREMONT dont une basse ayant appartenu à Navarra

Voir aussi

Liens externes

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La version présentée ici à été extraite depuis cette source le 14/12/2010.
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