Art déco

De 1920 à 1939, et comme une continuation à l'Art nouveau d'avant la Première Guerre mondiale, l'Art déco fut un mouvement artistique extrêmement influent en particulier dans l'architecture...


Catégories :

Style architectural - Mouvement artistique - Art déco - Art moderne

Définitions :

  • style mis en vedette en 1925 par l'»exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes» de Paris, mais dont les fondements dès avant la première guerre mondiale.... (source : angersarchi.free)

De 1920 à 1939, et comme une continuation à l'Art nouveau d'avant la Première Guerre mondiale, l'Art déco fut un mouvement artistique extrêmement influent en particulier dans l'architecture et le design, mais concerna en fait plus ou moins l'ensemble des formes d'arts plastiques.

Le style Art déco tire son nom de l'Exposition internationale des Arts Décoratifs et industriels modernes qui se tint à Paris en 1925.

Contexte

Les années folles

1918 : fin de la Première Guerre mondiale, un monde était mort, une société particulièrement différente surgissait des décombres. Plus concrètement, les villes détruites avaient besoin d'être reconstruites. La ville de Reims par exemple, détruite à 80 % au cours de la guerre, a été reconstruite en grande partie dans un style architectural Art Déco.
La société sort de quatre ans de cauchemars qu'elle entend rapidement oublier ; elle a subi des changements radicaux : l'ordre bourgeois établi bascule, des fortunes colossales se sont établies

L'aviation intercontinentale avec Charles Lindbergh et Jean Mermoz, l'automobile, le téléphone, la théorie de la relativité d'Albert Einstein, etc.

Jean Cocteau, André Breton et le surréalisme.

Freud, qui découvre l'hystérie, auprès du Docteur Charcot (neurologue français), et jette les bases de la psychanalyse.

Le contexte artistique

Plusieurs événements artistiques ont génèré des changements majeurs dans les arts décoratifs et spécifiquement le mobilier.

Mêlant danse, musique, et peinture, inspirés des "Mille et une nuits", ils sont une invitation au luxe ainsi qu'à l'exotisme; les costumes sont créés par Léon Bakst, le rideau de scène et les décors par Picasso, Derain, Delaunay et bien d'autres. D'où la mode des éventails, des plumes, des jets d'eau, des couleurs vives. Les couleurs insolites vont s'imposer dans le décor du mobilier : on verra des boudoirs aux murs orangés, des salons tendus de noir.

Le mouvement cubiste se forme autour de Braque et de Pablo Picasso. Il applique la théorie de Paul Cézanne pour qui «la nature peut se traiter par le cylindre, la sphère, le cône». Picasso ira toujours plus loin en reproduisant l'ensemble des faces de l'objet sur un même plan. Ex : Les Demoiselles d'Avignon.

Les couleurs audacieuses l'emportent sur la forme et ne jouent plus un rôle descriptif : les artistes comme Matisse, Derain ou Vlaminck reviennent aux tons purs ainsi qu'à des couleurs primaires...

L'architecture fonctionnelle

La tour de brassage du Musée français de la brasserie de Saint-Nicolas-de-Port, est un bel exemple de l'architecture industrielle Art déco.

Caractéristiques

Autant les formes de l'Art nouveau étaient ondulantes, particulièrement détaillées et prenaient exemple sur la nature, tout autant l'Art déco s'est tourné vers des formes épurées et principalement géométriques. La courbe, toujours particulièrement présente aux débuts de ce mouvement, tend à disparaître progressivement au profit de l'angle droit, surtout avec le courant De Stijl. Ce fut une véritable, mais brève explosion artistique concernant de nombreuses disciplines :

Une figure emblématique de la période Art déco est la garçonne : on assiste en effet à l'émancipation de la femme qui occupe une place au moins égale à celle de l'homme, dans les années 1920. Le mot vient du roman du même nom rédigé par Victor Margueritte. Les plus belles représentations de la garçonne sont Suzanne Lenglen (tennis), Louise Brooks (cinéma), Tamara de Lempicka (peinture) ou encore Joséphine Baker (danseuse noire) …

Après une période faste durant les années 1920, le courant s'essouffle progressivement vers la fin des années 1930, progressivement remplacé par l'influence grandissante du Bauhaus et d'une façon plus générale du Style international qui accompliront le rêve des artistes de l'Art déco : la production en série, qui annonce déjà la société de consommation que nous connaissons, le beau à moindre prix.

Art déco designer Maurice Ascalon 1939-1950.

L'un des thèmes en architecture était d'utiliser les formes des objets quotidiennement utilisés par le propriétaire du bâtiment afin d'expliquer la fonction de ce dernier, mais le concept fut étendu. Ainsi, le toit du Chrysler Building évoque les pare-chocs des voitures de la marque. Ce concept atteint son paroxysme avec le style California Crazy où l'objet surdimensionné est un élément ou le bâtiment entier.

Le style Art déco ou style 1920 - 1939

Le mot «Art déco» est né dans les années 1960, période pop-art, pour désigner le style qui triomphe à l'Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes qui a lieu à Paris en 1925.

Un mouvement de réaction contre l'Art nouveau était déjà apparu dès 1910 en France, et toujours plus tôt à l'étranger comme en Belgique, en Allemagne, aux Pays-Bas, en Autriche, etc.  : on qualifie alors les formes Art nouveau de «molles» ou encore de «style nouille». On s'oriente par conséquent vers des lignes simples, des formes droites, inspirées par la peinture cubiste et l'architecture aux structures orthogonales de béton armé.

Deux tendances particulièrement différentes cœxistent :

Style Art déco, tendance traditionaliste

Luxe et perfection

Le mobilier Art déco est l'œuvre d'artistes décorateurs conçue pour une clientèle aisée, ayant soif de nouveauté, mais qui demeure assez conformiste. Il s'agit de meubles réalisés par des ébénistes qui cherchent le luxe et la perfection. Les meubles sont par conséquent des pièces uniques.

Formes

Les formes restent classiques, avec quelquefois des rappels des styles antérieurs : Louis XVI, Directoire, Louis-Philippe. Mais l'art cubiste va pousser à une simplification des formes.

Les volumes sont parallélépipédiques, aux angles vifs, ou arrondis, ou à pans coupés. Le cercle et l'octogone sont aussi appréciés.

Les meubles sont fréquemment supportés par des socles.

Les moulures sont rares.

Inspiration conjointe

Fortuitement, ce style architectural partage aussi plusieurs caractéristiques avec l'architecture respectant les traditions précolombienne sans s'en être inspiré directement, surtout :

L'usage du béton offre une surface plus lisse et nue que la brique, rappelant les massifs blocs de pierre utilisés dans ces civilisations antérieures.

Les corniches et linteaux de fenêtre sont couverts de hauts reliefs géométriques.

Les représentations solaires avec rayons sont récurrentes.

Les gratte-ciel Art Déco sont le plus souvent faits de segments empilés de dimensions décroissantes dont les jonctions se font à angles droits; ceci rappelle la configuration des pyramides à degrés des lieux cultes aztèques et mayas.

Deux écoles «révolutionnaires»

Le Bauhaus

En 1919 ouvrit en Allemagne un centre de formation esthétique connu sous le nom de Bauhaus. Sous la direction de Walter Gropius, il devint l'un des plus influents de ce siècle, et fut actif jusqu'en 1933. Son seul but était de former des artistes à travailler pour l'industrie, et même si on a quelquefois exagéré son influence, le Bauhaus imprima sa marque sur le design du XXe siècle. À partir de matériaux industriels modernes réduits à leur forme la plus élémentaire et dénués de tout ornement, les créateurs du Bauhaus tentaient de créer des produits débarrassés de toutes références historiques. Cet objectif n'était pas forcément atteint. La célèbre chaise Wassily de Marcel Breuer présente nombre des caractéristiques associées «au style Bauhaus» : en acier tubulaire, de forme géométrique dépouillée, elle doit sa construction au talent de l'artisan et de la machine.

Le plus grand succès du Bauhaus fut ses méthodes d'enseignement, qui furent copiées dans le monde entier. Gropius attira des artistes célèbres, comme Wassily Kandinsky, Josef Albers et Paul Klee, et des architectes reconnus comme Marcel Breuer

Le VKhUTEMAS

École de design d'avant-garde qui ouvrit à Moscou en 1920. Son nom était le sigle des ateliers techniques d'état comme le Bauhaus, l'objectif de l'école était de former des artistes à l'industrie. Elle partageait les caractéristiques de l'école allemande, Wassily Kandinsky et El Lissitzky participaient aux deux organisations. Alexandre Rodtchenko, dessina des meubles pour le cercle des travailleurs à l'exposition de Paris de 1925. Cependant aucun des prototypes de meubles créés par cette école, ne devint une réalité industrielle.

Deux écoles révolutionnaires oui, mais qui ne peuvent sans doute pas être catégorisées comme "Art Déco". Ce sont plutôt deux styles qui se développèrent dans la même période qui marquèrent la création et le design. Il serait indispensable ici de faire un lien avec le site du Bauhaus (http ://fr. wikipedia. org/wiki/Bauhaus) car Gropius a été le fondateur et un des trois directeurs. Le Bauhaus a été une influence majeure pour l'ensemble des écoles de design, tant en Europe qu'en Amérique du Nord.

Décoration et textile

Si la ligne est épurée, le mobilier affiche une décoration soignée et fréquemment luxueuse.

La sculpture est particulièrement méplate. Elle utilise un répertoire géométrique, floral ou animal, particulièrement stylisé, géométrisé. La rose est particulièrement présente en bouquet, en corbeille, en guirlande.

Pour le traitement des surfaces, on utilise la dorure, la laque ou encore la marqueterie : incrustation de filets, de plaquettes en ivoire (influence de l'art nègre), de nacre ou de métal (argent, cuivre, laiton, aluminium).

La coloration de certains bois tel l'érable, teinté en rouge, bleu, vert ou gris (goût de la polychromie né des ballets russes).

Les figures sont stylisées, les motifs régulièrement répétés. Le tissu sature fréquemment les intérieurs de rythmes saccadés et vifs qui rappellent ceux de la musique légère de l'époque. L'ensemble des motifs et influences déjà cités se répètent avec une constance qui contribue, certes, à l'unité du style, mais finit aussi par rendre les intérieurs étouffants.

Le Corbusier et les modernistes prêchent quant à eux, «la loi du Ripolin» : le retour au simple mur blanc, qui s'imposera progressivement.

Le mobilier

Les sièges sont fréquemment d'inspiration Directoire ou Restauration. Un souci de confort est à remarquer dans les fauteuils, inspirés du fauteuil club, aux formes profondes. Le bois est peu apparent et fréquemment dissimulé par un revêtement en cuir ou en textile.

Le cosy-corner, création de l'époque, fait fureur. C'est un divan d'angle, encastré dans une boiserie avec diverses étagères.

Les commodes et meubles d'appui ont une façade fréquemment galbée, ou alors ventrue.

Les tables sont rondes, ovales ou rectangulaires avec les angles cassés. Les coiffeuses et bureaux de dames sont spécifiquement raffinés.

Dernier témoin d'une longue tradition française, il sombrera dès 1939 avec Hitler et le nazisme.

Pendant que les traditionalistes de l'Art déco font recette auprès de la bourgeoisie et des artistes en vogue, quelques ateliers méconnus, tenus à l'écart, s'intéressent à la production en série de meubles bon marché : les fonctionnalistes, prophètes du «style contemporain», jetteront les bases du design en s'éloignant de l'esthétique artisanale pour se laisser gagner par l'esthétique industrielle. Dès 1917, un groupe de peintres, d'architectes, de designers et de philosophes hollandais créèrent un collectif baptisé De Stijl, le style. S'éloignant des formes naturelles de l'architecture et du design, le groupe De Stijl tenta de créer un langage visuel capable d'exprimer une nouvelle esthétique industrielle en utilisant une palette réduite et en se limitant à des droites.

Matériaux et techniques

Les bâtis sont le plus fréquemment en chêne. Les structures moulurées ou plaquées utilisent l'acajou, le palissandre, le thuya, l'amarante, le citronnier… Contrastes de bois clairs (citronnier) et de bois foncés (amarante), de couleurs et de matières.

Principaux créateurs

Jean Dunand, dinandier d'exception tout autant que maître de l'art du laque, crée des vases de toutes formes, des panneaux décoratifs, des paravents, des meubles, des bijoux, des accessoires de mode. Parmi les grands laqueurs se compte aussi Gaston Suisse, fortement inspiré par les laques d'Extrême-Orient que son père lui avait appris à connaître.

L'homme de l'époque, c'est Jacques-Émile Ruhlmann. Il travaille sur commande, pour une élite fortunée. Il s'inspire du passé, mais étire les lignes, fusèle les formes et crée des décors savants. Il utilise des bois rares et dessine avec une précision inouïe chaque détail pour que l'exécution (par les artisans) soit idéale.

Pierre Legrain, Pierre Chareau, aussi marqués par l'influence de l'art nègre et du cubisme, créent des meubles aux lignes strictes. Néanmoins ces meubles ne sont pas pour une fabrication en série, mais pour une clientèle d'exception. Le luxe des matériaux contredit la sobriété des lignes.

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Voir aussi

Monuments art déco

Personnalités

Bibliographie

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"Art Déco"

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